@Ramirescl - Lunes, 12 de septiembre de 2022 La experimentada banda de metal progresivo Delta ha sabido internacionalizar su carrera con voces en inglés y un sonido tan profesional que enorgullece saber que son chilenos, latinos y que su proyección sigue estando relacionada con comerse el mundo. En una conversación distendida pero llena de objetivos trazados y donde no quedó nada al azar, su frontman argentina Paula Loza, que lleva 4 años con sus compañeros, se dio el tiempo de contarle a AllAccessCL sobre el show de Matucana 100, la composición y grabación del sexto disco, el adoptar el inglés para encontrar trascendencia, el presente del metal y el rock y una pandemia que aceleró procesos telemáticos para que la rueda de la música no se detenga. De la comercialización de entradas para el 24 de septiembre se encarga Ticketplus, y las mismas tienen un valor de 15.893 CLP en preventa. Quiero que me cuentes la historia de cómo te uniste a la banda. ¿Cómo se dio ese nexo que los tiene hoy ad portas de venir a Chile a dar un súper show? Yo hace bastante tiempo que estoy en Delta, ya son 4 años y desde un principio lo que siempre me motivó a unirme a esta banda es el compromiso que tienen, el trabajo, la trayectoria. Para mí, son músicos increíbles, entonces disfruto mucho hacer música con ellos. Y durante estos 4 años, tras el estallido social en Chile, pandemia, realmente podemos presentar el disco de una vez por todas en Chile, es como un gran evento. Más allá del disco, que pudimos escuchar, y nos gustó harto, ¿cómo tienen pensado ese show considerando el hecho de que se van a reunir, porque presencialmente no han podido estar juntos aquí? Hace poquito tuvimos la gira por México y ahí estuvimos juntos. Tuvimos un solo ensayo y pareciese que fuera suficiente y ahora, por suerte, ya estoy acá en Chile. Me voy a quedar todo el mes de septiembre, eso permite que tengamos varios ensayos y podamos preparar el show mejor todos juntes (sic). Si bien ya lo llevamos haciendo desde que llegamos a México, que nos sentamos de cabeza en este show, esta oportunidad de poder estar acá en Chile y trabajar juntes es mucho más ameno. Y me hablabas del profesionalismo que viste desde la banda. O sea, antes de unirte, también pudiste escuchar su música, seguir su trayectoria. Si uno habla de Delta habla de una de las bandas de metal chileno posiblemente más referenciales del último tiempo. Sí, yo les conocía de antes. Soy de Argentina y tuve acá muchas bandas de metal de las que fui parte y les conocía virtualmente, su trabajo y me gustaba mucho. Es más, en algún momento hablamos de poder compartir fechas con la banda que tenía en ese momento por ejemplo de venir a Chile… y que ellos se fueran a Argentina. Teníamos un contacto virtual, no era tan seguido pero sí lo teníamos. Ya sabía de ellos, cuando estuvieron en la búsqueda de cantante los felicité cuando encontraron a la persona en ese momento. Y bueno, no veíamos la posibilidad de que esto sucediera como que yo esté hoy cantando con ellos, pero si había una amistad virtual y creo que después de dar muchas vueltas y que ellos pasaran por distintos procesos en los que no podían conseguir una persona para Delta, entonces pasó. La verdad, fue bastante loco, no fue pensado ni nada, ni ellos me dijeron "che, ¿no quieres ser vos la cantante?". Yo me fui de vacaciones a Chile y nos juntamos y ahí empezamos a "che, ¿es posible esto o no? Entonces fue como todo muy… no sé, se unieron los planetas. Que se diera todo de una forma muy inusual quizás en los planes no estaba, pero pienso que ha sido lindo. Ya en el momento que estabas dentro de la banda, ¿cómo se dieron los ensayos y cantar por supuesto nuevas canciones? Me encanta tu actitud en el disco, tu voz es muy potente. Es como escuchar una banda gringa. Muchas gracias por eso. En realidad, este tema de las distancias… Yo no tenía experiencia de trabajar así, pero Benja y Nico han trabajado con personas de otros países y ya tenían un poco más de experiencia. Entonces fue aprender de cero, involucrarme a fondo y yo obviamente tenía mi trabajo en Córdoba y tenía que organizarme para viajar. Durante todo el año 2018, que recién a mitad de año anunciamos que yo estaba oficialmente en la banda, porque al principio hicimos un show -creo que eran los 10 años del Black & Cold- y ahí me probaron, me dijeron que era la prueba de fuego. Delta busca una persona que no solo pudiese cantar las canciones porque es un registro muy particular que tenía el primer cantante, sino que alguien que se pudiera acomodar a la dinámica de la banda, que pudiera componer, comprometerse y que hubiera buena onda. Que tuviéramos una energía de trabajo linda, eso era lo que más querían ellos y lo conseguimos. En esa fecha nos dimos cuenta que era re posible y a partir de ahí nos conocimos porque con este tema de que no estoy cerca era más lento el proceso. Pero estuvimos todo el 2018 armando el disco, componiendo, fue todo un trabajo re intenso y yo viajaba seguido, bastante seguido. El trabajo se fue convirtiendo en uno presencial, no fue todo a distancia… Hubo mucha organización al estar a distancia, pero sí habían cosas que eran súper importantes en las que yo tenía que estar. Para la parte de componer, por lo menos un tiempo, entonces me venía desde una semana y media, dos semanas, en esa época no venía mucho más, y me quedaba y nos dedicamos completamente a eso, pero vino el estallido social en Chile y la pandemia, entonces se complicó mucho más. Logramos filmar Hate Recipe que es el primer videoclip, todes juntes. Después Oceans, que fue el segundo y ese lo hicimos a distancia y My Addictions en el 2021, cuando se abrieron a principio de año las fronteras y pudimos cruzar. Ahí me fui a Chile y grabamos el videoclip en una semana. Todo es muy intenso siempre, mucho fuego con Delta. Muy intenso como uno se imagina una banda de metal. Cuéntame de ese proceso de composición, grabación. ¿Les costó quedarse de acuerdo con lo que querían hablar musicalmente, la lírica que estaban buscando? Fue como automático: apenas ingresé, había una necesidad de componer el disco y en los discos más antiguos quien componía y tenía la línea era Nico, que es el tecladista y fundador de Delta, y en un momento Nico le cede la composición al Benja para poder mutar. El Benja trae mas otra data, entonces empezó a componer. Siempre ha sido que alguien trae la idea general y después el resto se va sumando, por lo menos en este disco, y salió así. Yo compuse las letras y empezamos a hablar de lo que queríamos transmitir, fue todo muy en el momento. Yo no soy muy buena en el inglés, entonces no me llevo muy bien con ese idioma, pero los chicos sí. Todo lo que yo quería transmitir lo íbamos viendo, estudiando y ahí hacíamos un trabajito juntos sobre las letras. No muy buena con el inglés de origen solamente porque a la hora de interpretar las canciones no se nota. Gracias, han sido unos años de ponerme a full con eso y por suerte también recibir ayuda de una vocal coach, la Heidi, que también es cantante y muy grosa. Además es la compañera del Benja, entonces con ella tuvimos un laburito con el inglés porque ella es nativa y me ayudó bastante. Cuando vos tenés un compromiso te ponés de lleno: ponés todo, digamos. ¿Y te pasa que el hecho de que hayan integrantes de varios países y que están adoptando el inglés como un idioma matriz dentro de sus canciones les permite esta internacionalización potente? Porque la banda antes de ti también ha realizado gira en muchos países. Si, de hecho esa fue siempre la idea de Delta, por eso no hacemos canciones en español aún. Lo hemos pensado y evaluado, hacer versiones de las canciones o componer una canción completa en español, porque no es que no nos guste ni nada, pero siempre estuvimos enfocados más en un mercado internacional. Pero sí en los últimos años, por ejemplo, con esto de México hemos notado que el metal ha tenido un resurgimiento, en la pandemia hubo muchos festivales online en los que pudimos participar y encontramos que hay muchísimas bandas como también un público seguidor y constante. Y en la pandemia, que estuviste escuchando harta música, ¿hay alguna influencia que quieras destacar en en esta última etapa de Delta? Sobre todo pensando que al escuchar el disco muchas bandas se me aparecen, y me gustaría que tú lo dijeras mejor, cuáles son esas bandas que están en tu playlist y que te ayudan a idear. Si te digo que es lo que hoy en día está, te caes de culo porque nada que ver. En el último tiempo he estado mucho en el neo soul, el funk, metida mucho más en el pop, nada que ver. A su vez tengo otro proyecto de otra banda que hago ese estilo en mi ciudad natal, que es una música que me gusta muchísimo y yo creo que también enriquece a lo que hago. Yo crecí con el metal, hice siempre metal, desde los 16 años que estoy en bandas y todas son de metal, entonces es como algo que ya lo tengo adentro y entonces incorporar otros estilos que me gustaban y que por ahí no me animaba o no los investigaba lo suficiente, creo que también hace que tu música crezca y tenga más identidad, y que vos podás ser más versátil en lo que estás haciendo. Entonces, si en este momento me decís qué es lo que estoy escuchando, no sé, estoy escuchando Robert Glasper. Voy por otra línea, el metal sin embargo si hay algo que me ha influenciado muchísimo son las artistas mujeres y lo último que he estado escuchando es Jinjer, que admiro muchísimo. El poder, más que todo, en especial el carácter y la puesta en escena de la banda, me inspira. Es más, tuve la oportunidad de verlos en vivo en Córdoba y me gustó mucho la calidad musical. También escucho Pink Floyd, tengo como una diversidad, no estoy muy siempre cerrada en un estilo, escucho mucha música, también trap, y creo que todo eso suma y ayuda a tu música también. ¿Cómo va a ser tu dinámica estos días en Santiago? Imagino que vas a poder pasar las fiestas patrias en Chile, ¿cómo van a estar preparando el show? Mal para mí, porque soy vegana y acá hacen un montón de asado y más encima está carísimo. Pero sí, voy a pasar las fiestas acá, la verdad la gente está bastante apretada, tenemos muchas entrevistas, se vienen temas nuevos también y eso lo estamos aprovechando ahora: componer. Se viene el show del 24 con muchas expectativas, necesitamos encontrarnos de nuevo con el público y con la gente de acá de Chile que es algo que esperamos un montón, y proyectando también volver el año próximo a México porque nos encantó y creemos que hay un potencial ahí en la música que está buenísimo. ¿Y por qué no ir a Argentina? Estamos con muchas proyecciones, y hay que sentarse a hablar. Y así como el público mexicano les ha dado seguimiento después de haber tocado ahí, porque esas buenas sensaciones se justifican con ese cariño del público, ¿les ha pasado en Chile? Que también hay gente esperándolos y muy conscientes de que se viene este tremendo show el 24. Sí, totalmente, es mas nosotros para el lanzamiento del disco hicimos un crowdfunding y la gente nos ayudó muchísimo a generar el disco. Hay mucha gente que está esperando que salga y poder verlo en vivo, los mensajes de cariño, de que toquen el disco completo y la gente que pide y pide… pero esta súper bien y esos son cariñitos porque hace tanto que no tocamos acá y decís "¿con qué me voy a encontrar, la gente seguirá estando o se olvidó de nosotros?", y nada, hay gente que sigue siendo súper fan, que nos escribe y eso se re agradece. En México recibimos mucho cariño, no pensamos que la gente iba a cantar nuestras canciones en nuestros shows. Eso nos pareció un flight, fue re loco. Era increíble que cantaran Oceans, eso me emocionó un montón y a las bandas que nos acompañaron en la gira, porque son las que nos abren el camino en México. Se portaron bien, nos hicieron hasta regalos y nos llevamos esas experiencias. Esas son las cosas que nos hacen seguir, más allá de que yo estoy hace cuatro años la banda lleva muchos y eso hace que esto siga: la convicción de que estamos haciendo algo bien. Me dijiste hace un ratito que sientes que la escena del metal igual está creciendo de vuelta porque se nota el apoyo del público y en general para las bandas grandes y chicas. Me hablaste de Jinjer, por ejemplo a final de año tenemos un Knotfest con Slipknot, que se viene con todo. Pero más allá del metal, te quería preguntar por el rock… ¿Sientes que hoy por hoy está perdiendo cierto peso compitiendo con el pop y con el resto de los estilos que se ven en un auge constante? ¿Cómo salvamos el rock? Yo creo que se está fusionando, que está dejando de ser el típico rock. ¡Ya tuvo su momento!, ¿viste? Como la onda retro, que todas las cosas se utilizan y transforman, cobran otro sentido, y creo que hoy el rock está cobrando otro sentido y que se está usando mucho en la fusión de los distintos estilos que están en auge hoy en día. Ya no es lo principal y no me parece malo, creo que gente que va a escuchar la música vieja siempre habrá, y que todo va cambiando todo se va transformando, y la música y el arte cobra sentido también en la época en la que estamos, en lo que vivimos y en lo que somos como sociedad. Hay que adaptarse y no es como para decir que el rock murió, sino que se está transformando y está siendo parte de otra corriente que representa este momento de nuestras vidas.

Sábado 10 de septiembre 2022 - Teatro Cariola Fotógrafo: @fotogalvez

Fotografías: @fotogalvez Periodista: @halex_martinez_matus En el marco de su gira Diabolical Latin America attack tour, la que celebra sus 40 años de trayectoria, la banda alemana de trash metal, se presentó este 10 de septiembre en el teatro Cariola, en un festival que contó con la presencia de tres bandas chilenas, Nefastor, Dominio y Disaster, las que estuvieron totalmente a la altura. Los encargados de iniciar y calentar motores fueron la banda de death metal antifascista Nefastor, quienes subieron al escenario a las 18:12 hrs. encendiendo los ánimos con su propuesta musical joven, agresiva y enérgica, junto a un gran manejo escénico y excelente calidad musical, generando una gran presentación en la poco mas de media hora sobre el escenario. Fotografía: @fotogalvez - Nefastor, Teatro Cariola 11.09.22 A las 19:04 toma la batuta el trío de heavy metal Dominio, exhibiendo una gran calidad y técnica musical, con un ritmo un tanto mas melodioso que sus predecesores, pero con el mismo nivel de energía, manteniendo a tope el ánimo de los asistentes, quienes explotaron con Bestia nocturna al cierre de su presentación. Fotografía: @fotogalvez - Dominio, Teatro Cariola 11.09.22 Siguiendo con esta fiesta del Metal, es el turno de la banda trash metal Disaster, los que hacen su arribo a las 19:45hrs. haciendo estallar al público con sus agresivos y dinámicos riffs, una batería excelsa y la potente voz de Kinino Alfaro, el punto más alto de su presentación se dio, sin lugar a duda en su tema Motosierra del infierno, saliendo Kinino a escena con una motosierra que rugía estruendosamente, acompañada de la potencia de la banda, posteriormente le dan una sentida despedida al bajista Hernaldo Tapia, quien se retira de la banda, siendo esta su última presentación, sube un ex integrante a hacerse cargo del bajo y terminar la participación de Disaster con Atormentado y Trash Metal. Fotografía: @fotogalvez - Disaster, Teatro Cariola 11.09.22 Fotografía: @fotogalvez - Disaster, Teatro Cariola 11.09.22 Luego de un pequeño retraso, a causa de inconvenientes con el sonido, los que además generaron la impaciencia de los presentes. A las 21:04 hrs. Destruction inicia su presentación con Diabolical, desatando la locura de los fans, habiendo incluso quienes saltaron la barricada, no resultando en mayores desordenes. Si bien es cierto la iluminación fue un punto bajo en esta presentación, debido a la intensidad de las luces y el humo, que empañaban un poco la presencia de los integrantes en el escenario. De la mano de éxitos como Death Trap , Tormentor, Total Disaster, Curse the Gods, entre otros, el potente trash metal de los alemanes enseñó todo el carácter, fuerza y prestancia que solo los grandes pueden mostrar, siendo pioneros en el género, su gran trayectoria y toda la potencia ya mencionada, dieron como resultado un show cargado de energía y emociones, que satisfizo a todos los asistentes, hasta el cierre con Bestial Invasion… ¡¡UN VERDADERO CLÁSICO!! Fotografía: @fotogalvez - Destruction, Teatro Cariola 11.09.22 Fotografía: @fotogalvez - Destruction, Teatro Cariola 11.09.22 Setlist Nefastor: Calls from beyond Hate in the night Hung drawn and quartered serpent No more tolerance Ritual of shadows Feel the hate no opression Suffer the children Setlist Dominio: Intro Cenizas Tu ser Voces que atormentan Ejecución del tiempo No te atrapes Bestia nocturna Setlist Disaster: Almas negras Violencia natural Disaster Criaturas del mal Trash y alcohol Motosierra del infierno Atormentado Trash metal Setlist Destruction: Diabolical Death trap Nailed to the cross Born to perish Mad butcher Life without senserelease from agony Repent your sins Tormentor Eternal ban The butcher strikes back Tormented soul Total disaster Bis / encore Curse the gods Trash till death Bestial invasion

@LukasCruzat - Viernes, 9 de septiembre de 2022 El álbum llevará por nombre "A Family Christmas" y se estrenará el 21 de octubre. El primer sencillo es The Greatest Gift y ya está disponible en plataformas digitales. Esta temporada navideña, el tenor de renombre internacional Andrea Bocelli se unirá a su hijo Matteo Bocelli de 24 años y a su hija Virginia Bocelli de 10 años para su primer álbum juntos, A Family Christmas. Este disco está programado para su lanzamiento el 21 de octubre. El primer sencillo que se estrenará es 'The Greatest Gift', una canción nueva y original, escrita y arreglada especialmente para este álbum, que celebra la paz y el amor en Navidad. Andrea, Matteo y Virginia cantan en armonía creciente, mientras la música crece hacia un coro final conmovedor con el acompañamiento de una orquesta de cuerdas y un coro. El LP está producido por el compositor y nominado a varios premios Grammy® y Premios de la Academia® Stephan Moccio (Celine Dion, The Weeknd, Miley Cyrus, Barbra Streisand), quien también contribuyó con nuevos arreglos y coescribió 'The Greatest Gift' junto a Amy Wadge. , Jonas Myrin y Andrea Bocelli. “Estamos ofreciendo nuestro pequeño, íntimo y sentido regalo a cualquiera que desee disfrutar de la banda sonora de la Navidad en la casa de Bocelli”, dice la familia. El álbum presenta nuevas interpretaciones de villancicos tradicionales arreglados para las tres voces, incluyendo 'Away in a Manger' y 'Joy To The World', además de canciones navideñas populares de todo el mundo como 'Feliz Navidad' y otra nueva canción, ' Il Giorno Piu Speciale', escrito por Federica Abbate, Cheope, Katoo y Andrea Bocelli. El trío de voces complementarias se entrelazan y hacen eco en la canción 'Do You Hear What I Hear?', que proporciona una apertura conmovedora para el álbum. Cada uno de los tres miembros de la familia tiene la oportunidad de brillar en el álbum con temas en solitario, dúos y tríos. Para Virginia Bocelli, de 10 años, esta es su primera grabación, ya que previamente se unió a su padre para una interpretación escalofriante de 'Hallelujah' durante el popular concierto Believe in Christmas de 2020, transmitido en vivo desde el Teatro Regio di Parma . Ella proporciona la tierna apertura de 'Away in a Manger' y 'Over the Rainbow', además de actuar en solitario en 'When Christmas Comes to Town'. Mientras tanto, Matteo Bocelli, de 24 años, disfruta del comienzo de su propia exitosa carrera discográfica en solitario, luego de firmar con Capitol Records en 2019. Saltó a la fama en 2018 después de hacer un dueto con su padre en la exitosa canción 'Fall on Me' de El álbum más vendido de Andrea. Para Andrea Bocelli, uno de los cantantes clásicos más célebres de la historia moderna, la oportunidad de trabajar con Matteo y Virginia en este álbum ha sido motivo de gran alegría. “Creo que no hay nada más hermoso que hacer música con tus hijos”, dice. “Lo considero un privilegio”. Reflexionando sobre el álbum A Family Christmas, Matteo concluye: “Cantar estas canciones juntos, sentir el calor de las fiestas con mi familia es algo realmente especial. De eso se trata la Navidad: crear recuerdos juntos para atesorar para siempre. Es realmente emocionante pensar que la gente tendrá una copia de nuestro álbum envuelta debajo del árbol”.

@LukasCruzat - Viernes, 9 de septiembre de 2022 A menos de una semana para el regreso de la artista pop Demi Lovato, DG Medios confirma al cantante Dani Ride para abrir su show en nuestro país el próximo 13 de septiembre en Movistar Arena, donde presentará su más reciente trabajo “Drama Pop”. El artista Chileno nacido en Antofagasta, que hoy sobresale en la música es también compositor y destaca en una generación como referente en moda, fue el que dio el anuncio de su participación en el concierto: “Quiero acotar que yo partí haciendo covers de Demi Lovato cuando era súper chiquitite, 17 o 18 años, y ahora me toca darles este notición”. "La amaba porque la conocí por los Jonas Brothers, Camp Rock, y ahí empecé en la música. Comencé a cantar en algunos eventos llamados ‘Fiestas Disney’ y ahí obtuve mi primer público. Conecté altiro con Demi; ella tiene un discurso super fuerte, de hecho partió con una canción llamada This is Me que habla de ser uno mismo, y siguió con una carrera que tiene que ver con la liberación sexual, superaciones de adicciones, siempre siendo muy visible desde el punto humano”, añadió. Dani Ride hará un repaso de “Drama Pop” ,un álbum que cuenta su historia y su búsqueda de la propia identidad, además de algunos temas de sus dos primeros discos “Lovya” y “Tardé en encontrarme". Este año una de las canciones del LP llamada "Ya No Más", fue destacada por el prestigioso medio norteamericano Billboard, como Uno de los Artistas Emergentes a Descubrir. Este track fue compuesto en Ciudad de México junto a Francisca Valenzuela y es la que cierra el álbum. Ver nota AQUÍ. "Drama Pop" cuenta con los sencillos “XQ No Eres Tú”, “Sentirme Amante”, "Como Los Demás”, “Infernodaga" Ft. Mariel Mariel, “Ya No Más” y clásico de la cantante chilena Nicole “Tal Vez Me Estoy Enamorando”. Demi Lovato en Chile Opening Show: Dani Ride 13 de septiembre - Movistar Arena Entradas vía Puntoticket

Hola, soy yo, el cantautor escocés, la estrella del pop gordito y entusiasta, Lewis Capaldi. Pensé en ahorrarles la molestia de leer otro comunicado de prensa de una empresa de relaciones públicas que le dice lo maravilloso que soy, repasando todas las ventas de mis álbumes, premios, récords y cómo debería estar emocionado por mi nuevo single. Ya estoy de vuelta. Mi nuevo sencillo se llama 'Forget Me', y seamos honestos aquí, líricamente cubre mucho del mismo tema que antes. Conozco a la dama, la dama me deja, me quejo en una canción pop. De libreto. Después de que finalmente pude mudarme de la casa de mis padres en 2020 luego del éxito de 'Someone You Loved' y 'Before You Go', pensé que sería prudente llamar a mis amigos TMS nuevamente y ver si les apetecía escribir algunas canciones más, después de darme cuenta de que estoy obligado por contrato a hacer más música para una gran corporación. Si no está roto, no lo arregles. Es un poco más optimista que mis tracks anteriores, principalmente porque después de recorrer el mundo, me di cuenta de que mis temas más lentos, menos conocidos, hacían que algunas de las multitudes pareciera que estaban a punto de quedarse dormidas por puro aburrimiento. Sin embargo, este nuevo es triste Y rápido, muy parecido a hacer el amor. No te preocupes, todavía tengo muchas baladas deprimentes bajo la manga. Más sobre eso en otro momento… En caso de que necesite una pequeña cita estándar del artista para usar en cualquier artículo sobre la canción, aquí tiene, equipo. Espero que esto funcione: “‘Forget Me’ es una canción que es muy querida para mi corazón y definitivamente siento que es mi mejor canción hasta ahora. Se trata de una ruptura por la que pasé donde, después de un año, el único contacto real que tuve con mi ex fue ver su vida 'post-yo' en su Instagram. Estaba en un punto en el que me sentía bastante miserable y parecía que ella estaba avanzando y pasando el mejor momento, prosperando, y lo odiaba. Me pareció injusto que ella pareciera feliz mientras yo sufría, y temía que se hubiera olvidado de mí por completo, así que escribí una canción sobre eso”. No te retendré mucho más. Bromas aparte, estoy muy emocionado de estar de vuelta y sacar esta canción. Sin embargo, no mentiré, también lo estoy jodiendo absolutamente, por lo que será interesante ver cómo se desarrolla todo esta vez. Podría ser el comienzo de un hermoso capítulo en mi vida, O la espiral descendente muy pública que, seamos sinceros, probablemente debo. Espero que les guste la canción. Si no, también está bien, pero vamos a la mierda, he escuchado algo de la mierda que ha sido grande en los últimos años y tiene que ser un poquito mejor que algo de eso.

Manuel Carrasco, estrena “Coquito” el tercer adelanto de su noveno álbum y la canción se presenta como una de las más especiales. Ya así lo anunciaba a través de sus redes sociales el año pasado mientras abrazaba a su hijo, mientras apuntaba “ya le hice su canción” y asomaba un tímido hashtag con el nombre #coquito El cantante nos regala un tema cargado de sentimientos personales. Recopilando los recuerdos más especiales del crecimiento de su hijo y las sensaciones que le provocan. Manuel Carrasco nos acerca a esa burbuja de amor irrompible entre un padre y su hijo con un sonido que provoca alegría. Manuel comenzó presentando este nuevo proyecto con “Fue”, una canción minimalista con una fuerte carga emocional que se ha convertido en “Disco De Oro”. El segundo adelanto lo hacía con “Hay Que Vivir El Momento”, un canto a la libertad que invita a disfrutar de la vida en cada momento. Esta canción dio nombre a la gira con la que ha recorrido España este 2022 y con la que se ha consagrado como el artista español solista que más público ha conseguido reunir en la historia de un concierto en nuestro país. El 11 de Junio el cantante onubense conseguía reunir en La Cartuja de Sevilla a 74.345 personas. El lanzamiento de “Coquito” es además especial ya que viene acompañado de un videoclip en el que los protagonistas son su propia familia por lo que irradia verdad y en el que recuerda lo que podría ser la historia de un verano. Producido por Krea Films y dirigido por Mario Ruiz. Consiguen sumergirnos en las bonitas sensaciones que provocan ciertos momentos íntimos que son únicos en familia.

Los protagonistas del exitoso podcast "Weona que Creici" serán los encargado de traer el humor a la noche capitalina. Entradas vía Ticketplus * Acceso con pase de movilidad Desde el 13 al 16 de septiembre, los exitosos podcasters María Fernando y Wilo llegan a presentar su exitosa rutina “JEVI” en Matucana 100. En esta presentación, ambos desclasifican con mucho humor los momentos más icónicos e hilarantes de sus vidas, haciendo una revisión minuciosa y pícara de sus vivencias, generando un nexo único e íntimo con la audiencia haciéndolos reír a carcajadas. Estos comediantes chilenos se hicieron conocidos a través de su ingenio por redes sociales, pero no fue hasta la creación de su podcast “Weona que creici”, que hallaron mayor reconocimiento a su particular humor. Actualmente, este programa transmitido a través de Spotify es de los más escuchados en Chile y ya se encuentra en su tercera temporada. Los tickets para asistir a “JEVI: Esto no es un podcast” en M100 ya se encuentran a la venta para mayores de 18 años a través de sistema Ticketplus. El Pase de Movilidad Habilitado será necesario para el ingreso al recinto.

Fotografías: @LukasCruzat Periodista: @Ramirescl Ver a leyendas del rock en vivo siempre cuenta con ese gustito especial que se relaciona con emocionarse teniendo a verdaderos libros de historia al frente tuyo con la posibilidad de leerlos y deleitarse con relatos únicos e irrepetibles. Kiss, en su adiós, el 4.20, le ofreció un menú sin restricciones a un Santiago que consideraron en más de una ocasión como su "público número uno" (mismo que se pintó las caras emulando a sus ídolos) Hablar de Kiss es hablar de legado y de gloria. De glamour, fuego (¡tanto y tan cálido!), trajes temáticos, guitarras atronadoras y sorpresas sin escalas para redondear shows envidiables por cualquiera que aún pretenda mantener el rock vivo. Los menos, que serán más. Y sí, según Paul Stanley la banda podría continuar sin ningún miembro original, porque la marca es más importante que cualquier integrante, ¿pero dónde vas a encontrar a un Starchild con tal desplante o a un Demonio tan aterrador? Fotografía: @LukasCruzat - Kiss "End Of The Road Tour", Movistar Arena 20.04.22 - @Allaccesscl Gene Simmons se robó el espectáculo, como de costumbre. El diablo ofreció una verdadera ópera de terror en "God of Thunder", expulsando sangre de su boca tras un solo feroz que llegó al cierre de un set en el que lanzó fuego desde una llamarada en "I Love It Loud". Su gestualización aterradora y el ascenso hasta lo más alto en la tarima supusieron uno de los grandes peaks de una noche para rememorar con la más alta consideración. Fotografía: @LukasCruzat - Kiss "End Of The Road Tour", Movistar Arena 20.04.22 - @Allaccesscl En aquella franja Stanley metió polea y cual experto en canopy cruzó la cancha para cantarle a todo el Movistar Arena desde el centro, incluso alzando la camiseta de la Selección chilena, "Love Gun" y "I Was Made for Lovin' You", un himno de los tantos que resonaron en todo el O'Higgins y sus alrededores. Fotografía: @LukasCruzat - Kiss "End Of The Road Tour", Movistar Arena 20.04.22 - @Allaccesscl Tras la media hora de Catoni, la apoteosis aterrizó en el escenario, y tras la bajada del telón los sonidos de "Rock and Roll" de Led Zepellin avanzaron a los riffs de una "Detroit Rock City" que se sabe personaje principal y que sacude tantas cabezas como logra agitar palmas o, en la era del smartphone, levanta teléfonos al unísono. Fue, la del miércoles, una velada mágica de principio a fin y con la particularidad de erigirse como el primer evento de la pandemia del coronavirus con el aforo completo en Chile: había 15 mil boletos vendidos por jornada, pues se comenó a escribir el último relato el martes 19 con el exacto setlist. Entre los cambios constantes de luces penetrantes e imágenes de archivo con la época dorada de Kiss transcurrió una faena pulcra en ejecución y soberbia para cada asistente. Como gotitas de lluvia cayeron "Shout It Out Loud", "Deuce", "War Machine", "Cold Gin", un solo a dos bandas de Stanley con Tommy Thayer, una feroz marca registrada de Eric Singer en un extended de batería en las alturas… y la siempre íntima "Tears Are Falling". Fotografía: @LukasCruzat - Kiss "End Of The Road Tour", Movistar Arena 20.04.22 - @Allaccesscl Sin descuidos, "Black Diamond" cerró un carrusel de emociones que tenía preparado el final de siempre para la sexta visita de los neoyorkinos: Singer agarró el micrófono e interpretó "Beth" a la par de toda su fanaticada, volaron pelotas por la cancha y las plateas, en un jueguito que prosiguió en "Do You Love Me" cantada a tres voces, una costumbre acaecida durante el concierto (¡y los 50 años de trayectoria!) y que se transformó en la fiesta del papel picado, rojo y blanco, cuando ya no quedaban piernas pero había que saltar durante "Rock and Roll All Nite". Y cantarla enterita, los coros que fuese necesario. Fotografía: @LukasCruzat - Kiss "End Of The Road Tour", Movistar Arena 20.04.22 - @Allaccesscl En un megaevento de hard rock y glam metal de lo más característico e inspirador, no faltó nada. Los creyentes quedaron rendidos a sus dioses. Claro, no estuvieron en agenda todos los hits, pero podríamos amanecer el jueves tras una noche entera de música y todavía quedarían espacios vacíos para el fan. Y entre las múltiples opciones para elegir de dónde sacar material para presentar, el End of the Road Tour redondea una brillante carrera a la que desde los hechos podría alargarse por siempre pero que desde el discurso y la salud debe parar. Los trajes pesan bastante. Los años, ni hablar, pese a que Stanley no está desafinando y se le ve pleno para liderar. El autocuidado y la preservación ha sido un punto para destacar y avanzar con las décadas. Fotografía: @LukasCruzat - Kiss "End Of The Road Tour", Movistar Arena 20.04.22 - @Allaccesscl La posta la podrán tomar otros. A Tommy y Eric les beneficia el hecho de tener una década menos de edad. Quizás no habrán más giras o las próximas se sentirán como homenajes. ¿Kiss 2.0? Lo concreto es que la estirpe de este cúmulo de maquinarias legendarias, con Paul y Gene a la cabeza, trascienden hasta la eternidad. Mucho cambio se puede producir porque el adiós se sintió como tal. Con sus lenguas afuera, talento a toda prueba y el ánimo de entregarse por entero a las expectativas hasta llenarlas, Kiss no tiene otro igual.

Fotografías: @LukasCruzat Periodista: @Ramirescl Le preguntó a la audiencia si había bar. Ante la negativa fue directa: “No estamos en Inglaterra”. Le pareció congelado el Movistar Arena con 7 mil al frente. Al igual que todos, subió su temperatura con el desarrollo. Hasta que se contagió con un ambiente asimétrico pero de amor, sonrisas, de salidas de libreto permitidas, de una calidad indiscutible. Fotografía: @LukasCruzat - Joss Stone, Movistar Arena 09.06.22 - @Allaccesscl Joss Stone no se quería ir después de una quinta noche en Chile muy extensa, donde el tiempo nunca pasó en vano. Es más, no tenía pensado dejar nada al azar y por olvidarse de “Never Forget My Love” y “You Had Me” en el set inicial las interpretó antes de aquel muy emotivo finale con una versión deconstruida -igual que “Super Duper Love”- de “Right to Be Wrong” de casi 9 minutos que terminó en aquel idilio: la dulce británica lanzando girasoles a las primeras filas mientras improvisaba con la cúpula gigante del Parque O’Higgins rendida a una voz cautivante que entra en las fibras más sensibles. Fotografía: @LukasCruzat - Joss Stone, Movistar Arena 09.06.22 - @Allaccesscl Fotografía: @LukasCruzat - Joss Stone, Movistar Arena 09.06.22 - @Allaccesscl En medio de la gira de su nuevo disco la representación viva del blue-eyed soul lució un embarazo avanzado del segundo hijo de la familia que no le impidió entregarse por completo a una misión tan fría como extrema en el fin del mundo, donde vistió un brillante vestido blanco y bebió varias tazas de té en la tarima para sostener hidratada la garganta y pulcro el tono tan elegante y exclusivo, sin igual. Fotografía: @LukasCruzat - Joss Stone, Movistar Arena 09.06.22 - @Allaccesscl Si no es la mejor ejecución del año, pega en el palo. La intérprete de “Music” y “You’re My Girl” -dedicada a su primogénita- no dejó detalles al azar y entre homenajes a su rica trayectoria de dos décadas nadó hacia sus inspiraciones (de la talla de “Bad Boys”, “Midnight Train to Georgia”, “I Say a Little Prayer”, “It’s a Man’s Man’s Man’s World” y “The Love We Had”) para convertir la velada en una circular, concreta, de nostalgia y perspectivas de futuro. Reinaba el cariño tanto que la protagonista pidió que se acariciaran los que estuvieran al costado de un gran afecto. Fotografía: @LukasCruzat - Joss Stone, Movistar Arena 09.06.22 - @Allaccesscl La muy expresiva voz de Dover caminó en Santiago por el blues, amó el reggae y se refugió en su soul R&Biano característico con solos de guitarra explosivos, dos coristas para confiar y ganarse la ovación cerrada tras una fría noche con tono invernal y que abrió acertadamente Francisca Valenzuela con un adelanto de su repertorio en vivo de 2022 y que bajó el telón con un “quédense toda la noche, les canto 25 canciones más y seguimos cuánto queramos” de una Joss Stone que se va más encantada de Chile, al que hasta le ofreció entre bromas cambiarle el nombre a su Violet querida por Violeta. Felices todos tras dos horas mágicas. ¿Dudas? Ni una sola.

Por: @Ramirescl Vuelve con sus hits, pero también con mucho indie por lanzar. Y con ganas de trabajar en el presente, el tiempo que más le concierne. Quiere cantar con Standly, componer para el resto, se va pronto a cantar España, promete conciertos minimal y está bien acompañado para avanzar conscientemente rumbo a sus anhelos. Es Gianluca, quien en esta suerte de ‘nueva era’ se presenta el 9 de septiembre en Sala Metrónomo (300 entradas en Puntoticket). ¿Cómo ha estado la pandemia? Imagino que la has podido usar en el estudio, y ahora presentas este single “Amor de Alta Costura”. ¿Te dejó conforme el tiempo alejado de los escenarios? Sí. Ha sido un tiempo de re-pensar muchas cosas, salir de una vorágine de muchos proyectos hasta el 2020. Empecé a sacar singles y han pasado 2 años desde que no saco un proyecto. Me encantan los discos y los mixtapes pero sentía que estaba en piloto automático, repitiendo lo que estaba hecho antes. Todo este tiempo ha sido de pensar en cuál quiero que sea mi segundo disco después de Yin Yang que fue muy importante para mí y marcó un precedente, con colaboraciones muy únicas. “Amor de Alta Costura” representa el inicio de una nueva era, y el primer single de un álbum que viene. Esta canción me encanta, tiene un sonido más alternativo, habla mucho desde las emociones. Esa cosa sensible que me encanta como oyente de música. Me encanta que la gente que me escucha se pueda sentir identificado, sentir lo mismo que siento yo con sus experiencias, porque yo tengo las mías y escribo desde ahí, pero desde que sale y es pública, la gente se adueña. Es mágico, es lo que más me gusta de la música. Es parte importante de lo que yo soy como artista. Estoy en un momento de potenciarme en mi manera de decir las cosas, y en la música no influenciarme tanto con lo que veo que está pasando afuera, sino que potenciándome más a mí. ¿Estás proyectando llevar ese lanzamiento hacia algo más grande? ¿Lanzar un disco con canciones más lentas, sinceras, desde el interior? Sí, sí. Totalmente. Siempre he tenido una mezcla de géneros, un pie en el lado más urbano y un pie en el lado más alternativo. Desde hace tiempo que me decidí a salir de lo urbano, y como salgo también puedo volver a entrar. Pero me pasa con el indie y no con los géneros que son el trap o el reggaetón que lo siento más como un lienzo en blanco donde puedo expresarme sin un marco pre-escrito de conceptos. Estoy intentando potenciar Gianluca más allá de otra referencia que tengo. Re-visito mi catálogo y veo las canciones que más me impactan, que son atemporales. Me gusta mucho que la música pueda ser eterna, es eterna pero al escucharla 5 años después no suena como algo que quedó ahí. Sigue estando vigente. Eso pasa con canciones más indie, que se pueden guitarrear, hacer en distintas versiones. Estoy enfocado en canciones y estoy planeando cosas indie, experimentales, hablando de mis vivencias y cosas que transmiten emociones como “Amor de Alta Costura”. ¿Y ese ánimo por estar publicando cosas indie se da por lo que escuchaste en la pandemia? ¿Cuál fue tu playlist, cómo rellenaste tus oídos? ¿Y cuál ha sido la respuesta de la gente tras el lanzamiento? La respuesta de la gente muy bacán. Pasa que se identifican, y sus vivencias la ven en la canción. Con respecto a lo otro, soy súper melómano, estoy súper atento a lo que va saliendo. Me gusta mucho el indie pero lo que más escucho es trap y reggaetón. Me pasa con esos géneros que tengo tanta data e inconscientemente un beat de reggaetón me hace pensar en una frase que ‘pertenece al reggaetón’. No la diría si estuviera haciendo un indie. Me he estado dado cuenta de ese tipo de códigos. Escucho harto a un argentino, Juan López, muy bueno, fui y me junté con él. Me encanta lo que hace. El disco de Dillom, que tiene varios temas indie, trap y reggaetón. Me gusta mucho la música romántica antigua, siempre estoy escuchando Kanye West, Yung Beef, Frank Ocean, constantes en mi vida. Hablaste de tus canciones atemporales, canciones exitosas, millones de reproducciones. ¿Te da eso el colchón para pensar más, desarrollar tu música hacia lo que verdaderamente quieres hacer hoy? La escena es exigente, a nivel de visitas y colaboraciones, pareciera que todo está avanzando muy rápido. Sí. Me he centrado mucho en mi carrera que compararme, lo que es natural. Tengo mi camino y en este momento no siento que mi destaque en este momento no son los números. Tengo gente que me sigue, que es fiel conmigo. Formé un lazo con ellos por cómo sienten, cómo les marcan las canciones. Confío mucho en mi talento, estoy para cosas grandes, siento que tengo algo dentro mío que todavía no explota al máximo. He hecho cosas grandes y bacanes que me dan confianza, he ido aprendiendo más en el estudio, componiendo para otros artistas, el año pasado en sesiones largas, entrenando en el estudio haciendo mucha música, como Dragon Ball Z en la cámara del tiempo, metiéndole a full. Me siento ahora mismo con ese colchón, pero también fresco, renovado, las cosas las veo un poco nuevas y me gusta sentir eso. Cada día es nuevo, siempre estamos en el presente y hay que estar abierto a las cosas nuevas que pasan. Soy muy nostálgico, se refleja en mi música, me reflejo mucho en el pasado. Y hay que estar aquí en el presente, para que las cosas pasen. Pensando en el futuro y trabajando en el futuro, pero lo importante está aquí y ahora. Sin ánimo de compararte, ¿cuál es tu visión de la escena chilena hoy? Se ve fortalecida, fuiste uno de los iniciadores, tiene muchos exponentes sonando fuera de Chile. Y en Argentina imagino que pudiste empaparte de la cultura. Sí, y fui a Uruguay y Argentina. En Uruguay componiendo para mí y otros artistas. En Argentina hice varios temas, me junté con varios productores. Fueron dos viajes súper productivos, Buenos Aires me encanta, tengo amigos y amigas allá, tiene mucha vida nocturna la ciudad. Me sirve que ellos son de frente porque yo soy ‘pa’ adentro’ y su manera de ser me ayuda a ser más ‘pa’ afuera’. Uruguay tiene una vibra más rica. Y sobre la escena chilena, estoy muy feliz con todo lo que está pasando. Escucho reggaetón chileno y Bad Bunny. Me encanta lo que hace Harry, el Poli, el Jordan, Standly, Cris MJ, me gusta todo. Ser parte de la primera ola del trap, con el Cister, Pablo, Poli, yo y demases, haciendo las primeras tocatas, Caupolicán, pero hoy el reggaetón es una ola más grande, se desbloqueó el Movistar Arena, afuera la gente sabe lo que es el reggaetón chileno, lo escucha y están muy conectados, conocen a todos los artistas. Me enorgullece mucho, es algo que siempre vi y todos los que somos parte de la escena lo vimos, lo proyectamos, y las cosas se manifiestan. Siempre estuvo en la mente de todos que Chile puede ser global. Hay mucho talento y muchos artistas, y saliendo de lo urbano también. En general hay mucho talento, con el tiempo se puede formar una industria bacán y están pasando cosas que nos sirven a todos, se generan nuevas oportunidades. Hace 3-5 años era todo distinto, los lugares, los eventos, la difusión, todo ha cambiado para mejor. Está buenísimo, me encanta. ¿Ese show del 9 de septiembre cómo lo estás preparando? ¿Sientes que es un lugar en el que vas a poder soltar la vivencia de la pandemia o más como un reencuentro con tu fanbase, porque es mucho tiempo sin hacer un show tuyo? Sí, para mí son las dos cosas. Lo siento como algo que vengo esperando hace mucho rato y que por varios motivos no había pasado. Ya me siento listo desde hace rato, estamos preparando un show largo, pasando por todos los tiempos de música. Estoy ansioso, la gente también, estoy esperando que llegue el momento. Es el reencuentro, un desahogo, toda la energía que pasa en vivo que es una cosa muy única. Siento que hace tanto que no preparaba un show mío que lo siento como algo nuevo. Siento ansiedad como si fuera un primer show. Va a estar tocando B Sanz, panita, tenemos algunos temas juntos que no han salido y es bacán su música. Y después de eso, espero ir a regiones, estamos armando algunas cosas afuera, voy a estar en el BIME en Bilbao, y el hito grande del Primavera Sound, para el que queda poco. Con todo dándole. ¿Tienes ganas de darle una vuelta a tus canciones? Imagino que pensaste cómo van a sonar tus canciones antiguas en vivo hoy. El artista siempre genera un desarrollo que va acode al tiempo. Claro, quiero que el momento más indie sea lo principal. Y después de esta presentación voy a sacar muchas cosas en limpio. Haciendo es que uno se da cuenta de las cosas. Ensayando, sacándole el rollo. Estamos sacando una propuesta de escenario minimal, quiero generar muchos cambios con respecto a lo que estaba haciendo. He tenido tiempo para pensar qué quiero hacer, cómo quiero que la gente sienta el show y cómo comunicarlo estética y sonoramente. En Metrónomo las canciones van a ser cómo son, no hay mucha re-versión, pero me interesa hacer las canciones más íntimas, voz y guitarra, “Siempre triste” me la imagino, por momentos que las canciones cambien. Estoy preparando un setlist con muchos temas y yo creo que va a estar imperdible. ¿Y te motivan los planes a futuro a nivel de producción? Dijiste que has estado escribiendo para otros artistas, te gusta dejar tu sello en productos que no necesariamente nacen de ti pero que se construyen gracias a ti. Sí, me gusta componer y siento que tengo facilidad para hacerlo. Siempre he querido componer para otros artistas, lo tenía un poco pendiente y ahora se dio la oportunidad de ir a componer a Uruguay. Y yo me salgo de mi mundo, mi música es muy biográfica, mis experiencias y lo que siento. Y componiendo para otros artistas todo es mucho más lógico, más frío para mí, lo veo de otro lado y se trabaja en equipo. Que la melodía funcione, la letra, y todo pasa por el artista que participa y también da ideas. Es un proceso que me enriquece. Esas experiencias que me sacan de mi cabeza, de mi mundo, las encuentro súper enriquecedoras. En el verano actué en una película y hacer un personaje que no es mi personalidad me sirve mucho. Espero que te sigas enriqueciendo, buscando, encontrando, grabando, tocando. ¿Tienes un plan a futuro dentro de Chile? Los espacios se están abriendo y te falta dar ese salto con algo más grande todavía a un mediano plazo. “Amor de Alta Costura” es el primer single de un disco que todavía no anuncio pero ahí pienso hacer un lanzamiento del disco. Teniendo el show en Metrónomo quiero ir a Conce, Valdivia, Valpo, el norte, el sur, y seguir haciendo cosas. Estoy viendo sobre hacer una actividad para el siguiente single. Eventos más íntimos, encuentros con propuestas que no sean solo un show en vivo, cosas más relacionadas al arte, poder mostrar procesos creativos, el video clip de ADAC. Pedro, el director, hace mucho post-producción análogo y los frames pintados quiero pintarlos, hacer merch, estamos haciendo poleras y hartas cosas. Estoy muy enfocado en la vuelta, sin perder el tiempo y sin atraparme. Bien claro en las cosas que quiero. He estado mucho tiempo pensando pero cuando uno piensa y no actúa no está haciendo nada, está en su cabeza. Ahora estoy actuando todo el rato, haciendo lo que quiero hacer, cargando la barrita de energía, de a poco llegando al máximo. ¿Cuánto influye tu equipo en la confianza que estás sintiendo para estar avanzando con tanta hidalguía y ganas de presentar algo nuevo? Bastante. Es fundamental mi equipo de manejo, Camilo, Claudio, Consu, que son con los que trabajo. Me apoyan mucho y estoy trabajando en conjunto para todas estas cosas que te cuento, me dan la confianza, siento la energía, sé que ellos están muy motivados como yo con el proyecto. Eso motiva de vuelta, y da seguridades súper necesarias. Estamos bien conectados, en la misma página, y es bien importante que lo hayas mencionado. ¿Hay algún featuring que tengas pendiente por hacer? No con planes concretos, pero sí con lo que has escuchado de Chile: ¿Hay algún artista nuevo con el que te gustaría grabar y compartir una composición? Así que no conozca, el Standly. Me gusta caleta lo que hace. Fue el primero en el que pensé. ¿Y alguna propuesta en vivo que te haya atraído en este tiempo? Lo que está haciendo C. Tangana. Me da mucha lata no haberlo visto pero sí he visto los videos y me encanta la propuesta, aprecio mucho los shows que se atreven a mostrar algo único, experiencias únicas. También Playboi Carti, que ni canta casi, solo grita, pero tiene una propuesta escénica que impacta y me llega mucho. Al final es ir más allá con la propuesta. Vi a Feid y es un show más tradicional, pero canta bacán, me encanta. El tour de Rosalía está brígido.

Fotografías: @LukasCruzat Periodista: @Ramirescl Trabajar a consciencia no es fácil cuando tu música se convierte en un fenómeno. Rosalía pudo hacerlo y convivir en Chile con una cantidad importante de fans sometidos al delirio de una cantora española que está conquistando el mundo, que la misma noche del concierto ganó un VMA por la edición de Valentin Petit y Jon Echeveste en "SAOKO" y que su ruta en ascenso no parece tener baches. Si se trata de conquistar a su público, el capítulo está superado con creces, como si manejar el éxito se le estuviera dando con cada vez más comodidades. Fotografía: @LukasCruzat - Rosalía, Movistar Arena 28.08.22 - @Allaccesscl El Movistar Arena presentó el tope de su capacidad y llenó las expectativas generales pues la protagonista de la noche, con un impecable vestido con detalles y texturas negras y cafés, ofreció un show de alto vuelo, con 8 bailarines y ningún músico en escena, pero sin quejas de eventuales problemas del sonido. Es que la comunión entre la artista y sus productores es total: a ellos les asigna la feroz misión de ordenar las pistas y lanzarlas en los momentos adecuados. Al fin y al cabo, son 33 canciones, en su mayoría recortadas, pero a 33 no llega casi nadie en los tiempos modernos. ¿Los puntos más altos? La elocuencia en "G3 N15", la intimidad de "HENTAI", el júbilo total tiktokero en "DESPECHÁ" y tanto pop como flamenco y tanto reggaetón como piano y guitarreo. Nada queda al azar. Fotografía: @LukasCruzat - Rosalía, Movistar Arena 28.08.22 - @Allaccesscl Fotografía: @LukasCruzat - Rosalía, Movistar Arena 28.08.22 - @Allaccesscl Del repaso de "Motomami" a un medley de sus colaboraciones, la Rosalía encajó "MALAMENTE" y "PIENSO EN TU MIRÁ", exitosas de su anterior visita al Lollapalooza, y además de "De plata" interpretó "Catalina" a pedido de un fan de la cancha que la impulsó hacia "Los Ángeles" (2017), un momento para el que pidió el respeto total del recinto para entregarse por entera, una tradición de la noche. Tampoco faltaron íconos urbanos como "Gasolina" de Daddy Yankee ni "Perdóname" de La Factoría, ni clásicos modernos como "Con altura" y "Blinding Lights" con el espíritu de J Balvin y The Weeknd. Fotografía: @LukasCruzat - Rosalía, Movistar Arena 28.08.22 - @Allaccesscl Una performance total se vivió en el reducto de Parque O'Higgins, con una dosis de twerk, mucha política pues fue una constante el grito por el 'Apruebo' (en el referéndum de salida por una Nueva Constitución). Ya en el encore, en "CHICKEN TERIYAKI" Vila Tobella coreó mientras se paseó por la tarima en scooter. Se notaba demasiado que eran cortos de su autoría: sus muecas de inmensa emoción deslumbraron a todos los mimetizados por la sinceridad de la originaria de San Cugat del Vallés, que apostó fuerte por exprimir hasta la última gota de su propuesta y salió de Chile con el corazón más lleno que en el ayer y menos que en el mañana.

Fotografías: @el.eme Periodista: @halex_martinez_matus La banda francesa de death metal Gojira se presentó el 30 de agosto se presentó en el Teatro Caupolicán, en medio de la promoción de "Fortitude", su nuevo trabajo de estudio, además cita previa a su presentación como cabeza de cartel en Rock in Rio 2022 tres días más tarde. Fotografía: @el.eme - Gojira, Teatro Caupolicán 30.08.22 Los encargados de abrir el show fueron Mawiza, conjunto de metal raíz con sus letras en español y mapudungún, las que tienen un importante mensaje social, con el fin de reivindicar al pueblo mapuche. Esto, sumado a la potencia y energía de su música, fue garantía de éxito en una muy buena noche para la banda. Fotografía: @el.eme - Mawiza, Teatro Caupolicán 30.08.22 Fotografía: @el.eme - Mawiza, Teatro Caupolicán 30.08.22 A las 21:05, en un repleto Caupolicán, Gojira comenzó su presentación con "Born For One Thing", haciendo saltar a cada uno de los enfervorizados asistentes, situación que se mantuvo durante todo el show debido a la brutalidad de los riffs característicos de la banda liderada por los hermanos Duplantier, los que dieron paso en más de una oportunidad a masivos moshpits. Fotografía: @el.eme - Gojira, Teatro Caupolicán 30.08.22 Una de las notas altas del show la puso el baterista Mario Duplantier, al momento de hacer partícipe al público con un lúdico cartel, que en buen chileno decía "más fuerte por la chucha", para dar paso a un segundo con la leyenda "la raja", mismo que desató las carcajadas del público. Destacaron la calidad de producción de las luces, sonido y animaciones, y como resultado Chile presenció un espectáculo de gran nivel, que ha dejado al público totalmente satisfecho, y rápidamente con la interrogante de "¿cuándo vuelve Gojira?". Fotografía: @el.eme - Gojira, Teatro Caupolicán 30.08.22 Fotografía: @el.eme - Gojira, Teatro Caupolicán 30.08.22

Fotografías: @el.eme Periodista: @ramirescl De Stanmore a Santiago. El camino de Billy Idol ha sido extenso, con múltiples vertientes, de altos y bajos. Es más, uno de los arquitectos del punk rock tardó 49 años de carrera en pisar Chile. Y con todos los pergaminos posibles: regaló un show diseñado para los leales, que le han dado todo lo que la Academia y la crítica especializada le debe, y llenó cada corazón que repletó el Teatro Caupolicán en una noche accidentada pero muy, muy especial. Fotografía: @el.eme - Billy Idol, Teatro Caupolicán 01.09.22 La del jueves que inició septiembre fue una velada de tintes emotivos, pasión y mucho de dar, dar, dar y, obvio, recibir. William Michael Albert Broad se entregó por completo a un público que repletó el clásico de San Diego para encontrarse con un arranque furioso, de saltos y brazos al aire en la tan insuperable como icónica “Dancing with Myself”, que encendió el ambiente tanto cómo se necesitaba. En apenas 6 minutos de procesión, los 5 mil y monedas estaban en el mood que salieron a buscar. Sin ánimo de perder la atención general, el momento para “Cradle of Love” y “Flesh for Fantasy”. ¿Cómo es posible que al borde de su quinta década en la música recién se estrenó en el territorio? Fotografía: @el.eme - Billy Idol, Teatro Caupolicán 01.09.22 Fotografía: @el.eme - Billy Idol, Teatro Caupolicán 01.09.22 Después de arrancar con “Cage” una selección de nuevos singles, en la casi treintañera “Speed” Idol comenzó a toser y demostrar síntomas de ahogo. Ante las complicaciones notorias, el equipo completo abandonó la escena y pronto entendimos que se trataba de problemas en los accesos, con acceso irregular de supuestos punks y bombas lacrimógenas de la policía. 30 minutos de para con el gran protagonista expresándose en sus redes a favor de volver cuando se le pasara el malestar. El punk vive todavía, infirió, y volvió con “Speed”, toda denuevo, más energética, sin los problemas en la garganta, sin el desesperante picor del gas que primero se esparció y terminó en el olvido con música, para el alma la receta ultimate. Fotografía: @el.eme - Billy Idol, Teatro Caupolicán 01.09.22 Primó la intimidad en una sustanciosa y medio que modificada “Eyes Without a Face”, y Steve Stevens se adueñó del espectáculo con un solo que lo soltó definitivamente para terminar la jornada tal y como en su irrupción, guitarreando con el cordófono en la espalda… y hasta con las cuerdas en los dientes. Capaz y siempre compañero de su socio, su escudero usó cuánta guitarra pudo para deslumbrar y convertir el aplauso en uno cerrado, de reconocimiento por un concierto de alto vuelo. Stephen McGrath (bajo), Billy Morrison (el otro guitarrista), Erik Eldenius (en la batería) y Paul Trudeu (teclado) completaron el sexteto. Fotografía: @el.eme - Billy Idol, Teatro Caupolicán 01.09.22 Fotografía: @el.eme - Billy Idol, Teatro Caupolicán 01.09.22 A Billy Idol aún le queda voz, la que levanta en los hits y reposa en esas novedades que traen más experimentación, pausa, visuales, teclados. Encima de todo, sí, conserva su tacto, es histriónico, innova el look cada tanto, dedica miradas de asombro ante las muestras de afecto y ofrece lo que encuentra, desde baquetas hasta la pila de setlists, como un verdadero premio para las primeras filas tan acaloradas y fieles. Con “One Hundred Punks” vibraron los que lograron pasar, en buena o mala ley, “Rebel Yell” la cabeceó el primero y el último de los presentes y “White Wedding” una guinda antes de abrazarse por última vez con una audiencia a la que le prometió que habrá reencuentro. Una introducción al significado de vivir para los fans.

La agrupación nacida en los ’90, y una de las pioneras del heavy metal en el país, será la invitada especial en este esperado encuentro con los alemanes en el Movistar Arena. A un mes del concierto de Helloween en Chile, donde la banda considerada como los padres del power metal estará presentando su “United Forces Tour 2022”, se anuncia que el opening show estará a cargo de los destacados exponentes del heavy metal nacional: Enigma. Este esperado encuentro, donde también participarán los exitosos Hammerfall, se realizará el martes 4 de octubre, en el Movistar Arena. Entradas disponibles en PuntoTicket. Fue en el año 1990, en medio de la explosión del grunge y con el objetivo de rescatar el sonido clásico del heavy metal, cuando el periodista Álvaro Paci, junto a Franco Iturrieta, Hernán Kooki Angel y José Antonio Vásquez, formaron Enigma. Un año después, grabaron su primer demo tape “Apocalipsis”, material gracias al cual comenzaron a recibir diversas invitaciones; entre ellas de la banda Tumulto, que los recluta para sumarse a sus presentaciones. Durante su trayectoria de más de 30 años, han editado tres discos, el último de ellos “Irreversible”, de 2016. En este material, destacan sus composiciones de gran nivel, su sonido del metal clásico con matices progresivos y el virtuosismo con el que se han hecho un potente nombre en la escena del metal chileno. Actualmente, Enigma está conformada por Nelson Montenegro (voces), Álvaro Paci (guitarra), Sebastián Bello (bajo) y José Antonio Vásquez (batería). Este imperdible gran encuentro del metal, que contará con toda la fuerza de Helloween junto al acero sueco de Hammerfall y el talento de los sólidos Enigma, se llevará a cabo el martes 4 de octubre, a las 20:00 horas, en el Movistar Arena. Entradas a la venta en PuntoTicket. Cancha General $39.000 Platea Baja Preferencial (numerada) $47.000 Platea Baja (numerada) $47.000 Platea Alta $39.000 Tribuna $23.000 * Valores no incluyen cargo por servicio.