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Agustina Salinero | Sábado 14 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl El debut de Royel Otis en Lollapalooza Chile 2026 fue uno de los momentos más comentados de la segunda jornada del festival. Desde el Banco de Chile Stage del Parque O’Higgins, el dúo australiano desplegó un set de 17 canciones que combinó frescura, melodías pegadizas y un indie pop que rápidamente conectó con el público chileno. El concierto comenzó con “I Hate This Tune”, seguida por “Adored” y “Heading for the Door”, tres canciones que instalaron de inmediato la atmósfera melódica y relajada que caracteriza al proyecto. Desde esos primeros minutos se notó la cercanía con el público, que respondió con entusiasmo a cada estribillo, acompañando al dúo en una presentación que fluyó con naturalidad. A lo largo del show también destacaron canciones como “Kool Aid”, “Moody” y “Car”, donde la banda mantuvo un equilibrio entre guitarras suaves y ritmos pop que invitan al movimiento. El set continuó con temas como “Come On Home”, “Shut Up” y “More to Lose”, consolidando un repertorio que refleja el crecimiento que Royel Otis ha tenido desde su formación en 2019. Uno de los momentos más entretenidos del concierto llegó con la interpretación de “Murder on the Dancefloor”, clásico de Sophie Ellis-Bextor, que aportó un toque festivo al espectáculo. Más adelante, el dúo sorprendió con su versión de “Linger”, canción original de The Cranberries, transformándola en uno de los momentos más coreados de la tarde. El cierre con “Oysters in My Pocket” terminó de sellar una presentación que confirmó el buen momento del dúo australiano.

Agustina Salinero | Sábado 14 de marzo 2026 Fotografías: Lollapalooza Chile Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Uno de los momentos más esperados de Lollapalooza Chile 2026 fue el debut de Tyler, The Creator en el festival. El rapero y productor de Los Ángeles fue el encargado de cerrar una de las jornadas con un espectáculo masivo que reunió a miles de asistentes frente al escenario principal, confirmando el enorme alcance que ha logrado dentro del hip hop contemporáneo. El show comenzó con “St. Chroma”, marcando el inicio de un recorrido que abarcó distintas etapas de su discografía. La energía continuó con “Rah Tah Tah”, “Noid” y “Darling, I”, en un set que combinó teatralidad, humor y una presencia escénica magnética. A lo largo del concierto, Tyler mantuvo un ritmo constante que mantuvo al público completamente conectado con cada momento del espectáculo. Uno de los puntos más celebrados llegó con “EARFQUAKE”, uno de los mayores éxitos del artista, que fue coreado por miles de fanáticos frente al escenario. La conexión con el público también se hizo evidente durante “Tamale”, cuando el rapero interactuó directamente con la audiencia chilena gritando “Santiago” con entusiasmo, además de lanzar algunas frases improvisadas en español que provocaron una inmediata reacción del público. El concierto, compuesto por un set de 19 canciones, mostró la versatilidad artística de Tyler, alternando momentos de intensidad con pasajes más melódicos que reflejan la evolución de su propuesta musical dentro del hip hop alternativo. El cierre con “See You Again” terminó de sellar una presentación que quedará entre los momentos más memorables de esta edición del festival. Con miles de asistentes cantando cada verso, el debut de Tyler, The Creator en Lollapalooza Chile confirmó no solo la fuerza de su repertorio, sino también su capacidad para conectar con audiencias globales y convertir un concierto en una verdadera experiencia colectiva.

Agustina Salinero | Sábado 13 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl La presentación de Bad Nerves en Lollapalooza Chile 2025 fue uno de los momentos más intensos de la jornada temprana del festival. El quinteto londinense inauguró la presencia internacional en el Banco de Chile Stage con un show que capturó desde el primer minuto la esencia de su propuesta: canciones cortas, guitarras veloces y una actitud punk directa que no dejó espacio para pausas innecesarias. En medio de una de las horas más calurosas del día, la banda logró transformar la explanada del Parque O’Higgins en un verdadero punto de encuentro para los fanáticos del rock más crudo. Autoproclamados exponentes del “power pop de garage”, los británicos desplegaron un set frenético que fue encadenando canciones sin respiro. El concierto abrió con “Baby Drummer”, que debió reiniciarse tras un pequeño ajuste técnico, pero que rápidamente marcó el tono de lo que vendría: un show cargado de velocidad y guitarras filosas. A partir de ahí el grupo avanzó con temas como “Don’t Stop”, “Palace” y “Plastic Rebel”, confirmando que su fórmula de melodías pegadizas y espíritu punk funciona con la misma intensidad sobre un escenario de festival. El ritmo del concierto se mantuvo alto con canciones como “Electric 88”, “Radio Punk” y “Television”, piezas que reflejan la estética sonora de la banda: riffs rápidos, coros inmediatos y una ejecución que privilegia la energía por sobre cualquier artificio. El público respondió con entusiasmo, generando los primeros saltos y pogos de la jornada mientras el grupo mantenía una dinámica constante, casi sin detenerse entre canción y canción. En el tramo final del set aparecieron cortes como “New Shapes”, “Antidote” y “The Kids Will Never Have Their Say”, antes de encarar la recta final con “Loner”, “You’ve Got the Nerve” y “Can’t Be Mine”. El cierre con “Dreaming” terminó de consolidar un show que, en poco más de media hora, dejó claro por qué el punk rock sigue encontrando un público apasionado en Chile.

Agustina Salinero | Sábado 13 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl La presentación de LANY en Lollapalooza Chile 2026 confirmó el fuerte vínculo que la banda mantiene con el público latinoamericano. En uno de los escenarios principales del Parque O’Higgins, el proyecto liderado por Paul Jason Klein desplegó un show centrado en el pop sentimental que ha definido su identidad desde sus primeros años, combinando sus canciones más populares con material reciente. El concierto abrió con “Soft”, marcando desde el inicio el tono emocional de la presentación. A partir de ahí el grupo avanzó con “Why” y “you!”, canciones que ayudaron a instalar ese registro íntimo y confesional que atraviesa buena parte de su catálogo. El público respondió desde temprano cantando cada verso, especialmente en momentos como “I Don’t Wanna Love You Anymore” y “Thick and Thin”, dos de los temas más reconocidos de su repertorio. La mitad del set mantuvo ese equilibrio entre melancolía y pop luminoso con canciones como “Know You Naked” y “Stuck”. Uno de los momentos más interesantes llegó con el segmento que mezcló “Super Far” con “Mean It”, colaboración originalmente grabada junto a Lauv, generando una transición dinámica dentro del show. Poco después llegó uno de los puntos más esperados de la noche: “ILYSB”, uno de los mayores éxitos de la banda, que fue coreado masivamente por el público. La presentación también incluyó material reciente, destacando “When Did You Stop Loving Me?”, canción estrenada apenas horas antes de subir al escenario, lo que le dio al show un aire especial para quienes estaban presentes en el festival. El tramo final avanzó con “Destiny” y “‘Cause You Have To”, consolidando una narrativa musical que alternó momentos íntimos con pasajes más expansivos. El momento más cercano del concierto llegó con “XXL”, cuando Paul Jason Klein bajó del escenario y caminó por el pasillo frente al público, tomándose fotografías y saludando a los fanáticos de las primeras filas. Ese gesto terminó por sellar una presentación que no solo destacó por sus canciones, sino también por la conexión directa entre la banda y su audiencia. Con un repertorio de trece canciones y una puesta en escena sencilla pero efectiva, LANY dejó claro en Lollapalooza Chile 2026 que su propuesta sigue encontrando eco en el público.

Agustina Salinero | Sábado 13 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl La presentación de Viagra Boys en Lollapalooza Chile 2026 fue una de las más intensas y desafiantes de la jornada. Desde el Alternative Stage del Parque O’Higgins, la banda sueca desplegó su característico sonido de post-punk corrosivo, transformando el espacio en una experiencia cruda, cargada de distorsión, bajos repetitivos y la irrupción constante de saxofones que sonaban como una sirena urbana atravesando el caos del festival. Comandados por la presencia impredecible de Sebastian Murphy, el grupo inició el show con “Man Made of Meat”, provocando de inmediato los primeros empujones y saltos entre el público de las primeras filas. A partir de ahí el concierto avanzó con temas como “Slow Learner” y “Waterboy”, instalando una atmósfera donde la tensión sonora y la actitud irreverente se volvieron protagonistas. El repertorio continuó con canciones que ya se han transformado en parte esencial de su identidad en vivo, como “Punk Rock Loser”, “Ain’t No Thief” y “Uno II”. En medio de ese despliegue, Murphy mantuvo una interacción constante con el público: entre canción y canción bebía cerveza, levantaba el vaso en señal de brindis y respondía a la energía del público con su estilo provocador, generando una dinámica de caos controlado que se sintió en toda la explanada. La parte central del set incluyó “Pyramid of Health”, “Troglodyte” y “Down in the Basement”, reforzando el carácter hipnótico del show con líneas de bajo repetitivas y un ritmo que invitaba al movimiento colectivo. Luego llegaron “The Bog Body” y “Sports”, esta última recibida con especial entusiasmo por una audiencia que ya estaba completamente entregada al desorden festivo que caracteriza a los conciertos del grupo. El cierre con “Research Chemicals” terminó de consolidar un show que combinó humor ácido, crítica social y una ejecución musical tan precisa como visceral.

Agustina Salinero | Sábado 13 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl La presentación de Interpol en Lollapalooza Chile 2026 ofreció uno de los momentos más sólidos y refinados de la jornada. Desde el escenario principal del Parque O’Higgins, el conjunto neoyorquino desplegó su característico sonido oscuro y elegante, confirmando por qué sigue siendo una de las bandas fundamentales del rock alternativo del siglo XXI. El show comenzó con “All the Rage Back Home”, marcando desde el inicio el tono introspectivo que define gran parte de su discografía. Liderados por Paul Banks, el grupo avanzó con “No I in Threesome” y “C’mere”, manteniendo una ejecución precisa que priorizó la música por sobre cualquier exceso escénico. Con pocas palabras y un enfoque completamente centrado en las canciones, Interpol dejó que sus guitarras, bajos y atmósferas melancólicas hablaran por sí solas. La energía del público creció con clásicos como “Slow Hands” y “Rest My Chemistry”, canciones que hicieron cantar y saltar a los asistentes frente al escenario. Sin embargo, uno de los momentos más celebrados llegó con “Obstacle 1”, pieza fundamental de su álbum debut Turn On the Bright Lights , seguida por “Evil”, otro de los himnos que definieron la primera etapa del grupo y que continúa resonando con fuerza entre distintas generaciones de fanáticos. El tramo final del concierto mantuvo la intensidad con “The Rover” y “Narc”, preparando el terreno para un cierre que apeló directamente a los seguidores más fieles. “Roland” encendió nuevamente al público antes del cierre definitivo con “PDA”, canción que, con su crescendo final de guitarras, selló una presentación sobria pero contundente.

Agustina Salinero | Viernes 13 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Uno de los momentos más intensos de la jornada en Lollapalooza Chile 2026 se vivió en el Alternative Stage con la presentación de Tom Morello. Antes del cierre pop de la noche, el reconocido guitarrista transformó el escenario en un espacio de memoria y reflexión, comenzando su show con un homenaje a Víctor Jara y al ex presidente Salvador Allende, figuras profundamente ligadas a la historia cultural y política de Chile. El concierto arrancó con “Soldier in the Army of Love”, encendiendo de inmediato a los fanáticos que aguardaban escuchar parte del repertorio que conecta al músico con su trayectoria en Rage Against the Machine. Desde el inicio, Morello dejó en claro por qué es considerado uno de los guitarristas más influyentes del rock contemporáneo, desplegando su característico estilo lleno de efectos, riffs potentes y experimentación sonora. A lo largo del set, el público respondió con entusiasmo a cada guiño a su legado musical. Canciones como “Guerrilla Radio” convirtieron el Alternative Stage en un coro colectivo, recordando el peso que la música de Rage Against the Machine ha tenido dentro del rock político y combativo. Uno de los pasajes más emotivos de la noche llegó con la interpretación de “Like a Stone”, clásico de Audioslave que Morello dedicó “en homenaje a Chris Cornell”, recordando al fallecido vocalista de la banda. El público acompañó el momento con respeto y emoción, creando una atmósfera especial en medio de la intensidad del show. El cierre llegó con una descarga total cuando sonaron los acordes de “Killing in the Name”. El clásico de Rage Against the Machine transformó el final del concierto en una verdadera explosión colectiva, con el público chileno cantando cada verso en lugar de Zack de la Rocha.

Jueves 12 de marzo de 2026 | @allaccesscl Fotografías: @lukascruzat

Homero Ramírez | Jueves 12 de marzo 2026 Fotografías: @lukascruzat Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Angus Young y Brian Johnson llevan haciendo toda la vida lo mismo. Y lucen como los elegidos para hacerlo una eternidad. 53 años tiene de carrera AC/DC, y hace 30 que no pisaba Santiago de Chile. Hasta este 11 de julio marzo del 2026, en un reencuentro prime con más de 80.000 megafanáticos que llenaron el Parque Estadio Nacional para llenar expectativas y el corazón a la vez. Fue un show para quedar atónito. La capacidad vocal de Johnson envejece cual vino mientras Young entiende de versatilidad como ningún otro. En dos horas y 20 minutos, las leyendas australianas se apodedaron del recinto de Ñuñoa, uno lleno de almas contemplativas y ansiosas por escuchar los éxitos que guiaron su paso rumbo a la madurez. La del miércoles fue una celebración especial. De décadas de rock, de familias edificadas a partir de la música y la reunión. De lo que fue, lo que es y lo que será, aunque con la claridad que no habrá “otro AC/DC”. Es historia escrita frente a tus ojos. El Parque Estadio Nacional, además, ofreció una ventaja inédita: el campo cubierto por completo, dejando así el evento completamente descartado el problema de la tierra. AC/DC no solo entró firme. Firme y fuerte. Sino que se sostuvo en un carril de potencia inigualable, con Angus entregándose físicamente a una experiencia memorable. El guitarrista líder terminó con la camisa semiabierta y haciendo un solo de cuarto de hora, desatado y como un showman que espera más que el aplauso. Aguarda por jugar, entretener y llenarse de alegría en el camino. Después de semejante solo tras finalizar “Let There Be Rock”, Brian Johnson volvió a escena a compartir muecas con las primeras filas. Unas de reconocimiento para su compañero de recorrido, uno con el que su voz puede convivir en el entendimiento absoluto. Pidió esos aplausos por su compañero de mil batallas más de una vez. Y volvió para cantar “T. N. T.” Un karaoke en Ñuñoa. Fue una velada llena de canciones que inspiraron no solo a millones de seguidores, sino que a miles de artistas a atreverse a crear rock. Este sí es del que no envejece. De la pureza de “Highway to Hell”. O bien de esa electricidad que recorre el organismo cuando empiezan a sonar los primeros riffs de “Back in Black” o “Thunderstruck”. Ver a AC/DC en vivo es un hito que vas a recordar toda tu vida. En Chile, frente a todas las generaciones posibles, lo que demuestra la trascendencia del rock clásico en el territorio, hubo un despliegue de acero, una campana gigante en “Hells Bells”, lanzaron fuegos artificiales tras “For Those About to Rock (We Salute You)”, dispusieron cañones explosivos en los costados y detrás de la banda en “For Those About to Rock”, y celebraron como lo hacen con todo el resto del mundo: sin diferencias en lo técnico y en lo musical, con la selección de temas de siempre, entre la franqueza que ofrece el rock cuando es de verdad. Genuino… análogo. Vivo. Gracias vida por el rock que se eterniza. El de ayer, de hoy y de mañana. Setlist: If You Want Blood (You’ve Got It) Back in Black Demon Fire Shot Down in Flames Thunderstruck Have a Drink on Me Hells Bells Shot in the Dark Stiff Upper Lip Highway to Hell Shoot to Thrill Sin City Jailbreak Dirty Deeds Done Dirt Cheap High Voltage (con snippet de “Bad Boy Boogie”) Riff Raff You Shook Me All Night Long Whole Lotta Rosie Let There Be Rock (con solo de guitarra extendido de Angus Young) Encore: ⁠T.N.T. ⁠For Those About to Rock (We Salute You)

Lukas Cruzat | Martes 10 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Preventa: Jueves 12 de marzo, 10:30 horas a 11:30 hrs. previa inscripción en  https://drop.cobrand.com/d/AmelieLens/ReturnsToChile Venta General: Jueves 12 de marzo, 12:00 horas. Entradas en  Puntoticket.com La máxima referente del techno mundial, Amelie Lens, confirma su esperado regreso a Chile con un espectáculo de alto impacto programado para el próximo sábado 6 de junio en Espacio Riesco. La reconocida DJ y productora belga vuelve al país tras el rotundo éxito de su última presentación el pasado 14 de junio de 2025, fecha que agotó completamente sus entradas y consolidó su enorme conexión con el público local. Con una carrera meteórica que la ha llevado a encabezar los principales festivales y clubes del mundo, Amelie Lens se ha posicionado como una de las artistas más influyentes del techno contemporáneo. Su sonido, caracterizado por una intensidad hipnótica, grooves contundentes y una energía constante en la pista de baile, la ha convertido en una figura clave del hard techno global, además de liderar proyectos como su sello EXHALE, plataforma desde la cual impulsa a nuevas generaciones de artistas de la escena electrónica. Las entradas estarán disponibles a través de PuntoTicket a partir del 12 de marzo. Además, desde hoy 10 de marzo a las 12:00 horas, los fans podrán inscribirse para acceder a una preventa exclusiva que comenzará el 12 de marzo a las 10:30 horas, mientras que la venta general se iniciará ese mismo día a las 12:00 horas. El sistema de compra incluirá también el Plan de Reserva, modalidad que permite asegurar el ticket mediante un abono inicial de $20.000, pagando el saldo restante en dos cuotas iguales sin interés, facilitando así el acceso a uno de los eventos electrónicos más esperados del año. Resumen del evento Artista: Amelie Lens Fecha: 6 de junio de 2026 Lugar: Espacio Riesco Tickets: Disponibles desde el 12 de marzo a las 12:00 hrs a través de PuntoTicket .

Lukas Cruzat | Martes 3 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Esta nueva presentación está programada para las 18.30 hrs. Quienes tengan entradas para la presentación de las 20.30 hrs, tienen un 15% de descuento.  Últimas entradas para el concierto de las 20.30 hrs.  Debido al gran interés por las entradas para presenciar el gran concierto de  la destacada sitarista Anoushka Shankar, se anuncia una segunda función. La artista se presentará el 29 de marzo en el Teatro Nescafé de las Artes, ahora en doble función —añadiendo una segunda presentación el mismo día a las 18:30— para dar respuesta a la alta demanda. Anoushka Shankar llega a Chile para presentar Chapter III: We Return to Light, la tercera entrega de una trilogía iniciada en 2023. En este nuevo trabajo, Shankar profundiza un mensaje de paz, esperanza y conexión humana, fusionando raíces de la música clásica india con influencias contemporáneas. Con más de treinta años de carrera, Anoushka es reconocida internacionalmente como una de las principales intérpretes de la sitara. Ha sido nominada múltiples veces al Grammy y ha colaborado con artistas como Sting, Patti Smith, Herbie Hancock, M.I.A., Norah Jones y Nils Frahm. Además, es activista en causas vinculadas a las mujeres, refugiados y derechos de los animales. Entradas ya disponibles a través de Ticketmaster  con los siguientes precios en preventa: Primeras Filas: $95.000 Platea Baja Preferencial: $79.000  Platea Baja Central: $68.000 Platea Baja Lateral: $54.000 Platea Alta Central: $46.000 Platea Alta Lateral: $38.000

Lukas Cruzat | Lunes 2 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Formado hace casi una década en el sur de Londres, el quinteto llegará a presentar su más reciente lanzamiento Cutthroah, publicado en septiembre del año pasado. Entradas a la venta a través de Puntoticket . La banda británica Shame  confirmó la fecha de su primera gira por Sudamérica, agendando su paso por Santiago para el 15 de   junio  sobre el escenario del Club Chocolate . El quinteto recientemente publicó su cuarto álbum de estudio, Cutthroat , con el que siguen profundizando dentro de un sonido que se mueve entre el post-punk y el indie , manteniendo lo clásico de esos géneros mientras también exploran otras corrientes más actuales. Fundada en el 2014 por cinco amigos del sur de Londres, la agrupación ha logrado notoriedad con una música que cuenta con guitarras eléctricas muy activas para darle dinamismo y letras llenas de ironía, críticas sociales y emociones que muchas veces no se comparten con nadie más .  Esta actitud visceral la traspasan a sus shows en vivo con gran cercanía con el público. Incluso prometen un show tan potente que sugieren llevar protección para los oídos , contagiando energía como pocas bandas de su generación lo logran. Para ello también se inspiran en el post-punk y post-hardcore más crudo de la década de los 80, algo que siempre brilla en la voz de su vocalista Charlie Steen . Miembros del movimiento DYI ("Do It Yourself", Hazlo tú mismo)  de la capital inglesa, en poco tiempo pudieron llevar su música a otras latitudes como Estados Unidos y otros países de Europa, encantando a fanáticos de otras bandas como IDLES , Turnstile , Dry Cleaning  o Black Country, New Road . Las entradas están a la venta en Puntoticket  con los siguientes valores: Preventa $36 mil (primeras 300 entradas) General: $39 mil

Fernanda Schell | Lunes 2 de marzo 2026 Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl Hay discos que se escuchan y otros que se recorren, claro ejemplo de esto es “Secret Love” , el tercer álbum de Dry Cleaning , un disco que se puede disfrutar mientras se camina en la ciudad, acompañado por atardecer; con sus luces encendidas y sus sombras largas, con calles que parecen conocidas pero esconden algo nuevo en cada esquina. Es un trabajo donde la banda deja atrás cualquier impulso de urgencia y se permite habitar las canciones, expandirlas, hacerlas crecer hasta que duelan un poco. Producido por Cate Le Bon , este trabajo transforma el estudio en un espacio de exploración emocional. Las estructuras están claras, pero lo que realmente importa es lo que vibra debajo: texturas que se superponen como capas de memoria, voces que se atreven a ocupar más espacio y momentos diseñados para quebrar la respiración. Para conocer más detalles de esta tercera producción, conversamos con Dry Cleaning: Empezaron el año con el lanzamiento este nuevo álbum, “Secret Love”, un disco muy diferente en comparación con los anteriores, siento que es más ambicioso, más emocional, y que los sentimientos son más personales. Cuéntenme sobre este. Sí, me alegra que lo sientas así. Nosotros también lo creemos. Estamos muy orgullosos del álbum. Creo que hubo un período de composición más largo esta vez y eso permitió que las canciones crecieran más. Entonces, cuando llegamos al estudio, muchas de ellas ya estaban completamente escritas, al menos en su estructura. En discos anteriores trabajábamos desde maquetas más básicas, todavía seguíamos escribiendo un poco en el estudio. En cambio, esta vez teníamos mucho más claro lo que teníamos entre manos. Además, Cate Le Bon, quien lo produjo, vino a Londres una semana y trabajamos juntos en un estudio. Afinamos muchas cosas y logramos estar en la misma sintonía mucho antes de viajar al estudio en Francia. Todo el proceso de este álbum fue más estructurado, más lógico en cierta forma, eso ayudó a que, cuando finalmente entramos al estudio, pudiéramos concentrarnos en que las canciones funcionaran: qué instrumento necesitaba cada parte, qué textura hacía falta. Cuando todavía estás resolviendo la estructura de una canción, eso puede consumir mucho tiempo porque la respuesta no siempre es evidente. Pero esta vez sentimos que podíamos profundizar en los sonidos y hacerlos realmente interesantes para nosotros. Cate también puso mucho foco en lo emocional. Tiene un oído y una mente increíbles para el estudio. Entiende la música desde lo emocional. Cuando le enviamos muchas maquetas, a diferencia de otros productores con los que hablamos, ella nos respondió desde cómo la hacía sentir la música y hacia dónde veía que podía moverse el álbum, en distintas direcciones. Eso ayudó muchísimo. Creo que es la primera vez que grabamos música y todos coincidimos en decir: “eso me hace llorar. Esa canción me hace llorar. Ese momento me hace llorar. Quiero que la gente llore en ese momento”. ¿Tú lloraste? Sí, ¿la escuchas ahora y lloras? Sí, siempre. Porque la música es muy emocional, muy personal. Creo que todos tenemos un álbum favorito que nos conmueve y nos hace llorar. O cuando vas a un concierto y escuchas tu canción favorita, es inevitable emocionarse. Es algo muy especial, como este disco. Sobre el álbum y los conciertos: creo que el concepto es muy especial, muy emocional y personal. ¿Cómo trabajan eso en términos de instrumentos y producción? Porque siento que hay muchos detalles distintos en el disco. Siempre quisimos hacer discos que sonaran así. Cuando haces tu primer álbum, y quizás también el segundo, trabajábamos con un productor que prefería mantenerlo más crudo. Le gustaban las capas mínimas, que se escuchara el sonido de una banda tocando en una sala. Eso está muy bien, porque te prepara para luego avanzar hacia discos más producidos, donde usas el estudio como un instrumento. Eso fue lo que pasó con cate en “Secret Love”. Ya habíamos hecho el sonido de banda en vivo en una sala, y queríamos pasar al siguiente nivel: ¿cómo crear detalle? Incluso hay canciones donde no tocamos nuestros instrumentos habituales, simplemente tomamos otra cosa y agregamos algo distinto. También cantamos más, algo que no habíamos hecho antes. Fue aprovechar la oportunidad. Queríamos hacer algo que no fuera necesariamente un típico disco pop —y cuando digo pop no me refiero al género— sino un viaje accesible y disfrutable, donde cada canción fuera un pequeño recorrido propio. Cuando conocimos a Cate, ella dijo que las maquetas le sonaban como caminar por una ciudad. Entonces, si tomas esa imagen, tiene sentido que cada canción tenga sus propias características, pequeñas firmas sonoras, como si fueran distintos barrios de una ciudad. Siempre habíamos explorado distintos géneros, pero el sonido general era similar. Kate fue muy buena en el estudio en ese sentido. Confiaba en nosotros para decidir si una toma estaba bien, mientras ella experimentaba con efectos y modificaba sonidos para ver hasta dónde podíamos llevar las ideas. Fue muy emocionante. Todos trabajábamos en distintas salas al mismo tiempo. ¿Tienen un “amor secreto”? Sí, de hecho sí. No debería decirlo. Pero, a finales del año pasado, antes de que saliera el disco, nos encontrábamos con personas de la industria musical que nos decían en voz baja: “he escuchado Secret Love. Es increíble”. Lo decían como si fuera un secreto, aunque se los habíamos enviado oficialmente. Fue divertido hablar del álbum como si realmente fuera un secreto. ¿Cómo ven esta experiencia en comparación con los discos anteriores? ¿Sienten que hay una evolución como músicos, en lo artístico y en las letras? Algo que he disfrutado mucho es que hemos recibido muchos comentarios positivos, no solo sobre el álbum, sino sobre el recorrido de la banda. Desde los EP hasta el primer y segundo disco, hemos ido abriendo más puertas, ampliando nuestro alcance y nuestra paleta musical. Este álbum abre todavía más posibilidades. Ahora sentimos que podemos hacer muchas cosas distintas en el próximo disco: podría ser algo más minimalista o algo más intenso, incluso cercano al house. Podemos ir en muchas direcciones, y eso me hace muy feliz. ¿Creen que este disco representa un paso importante en la historia de la banda? Es nuestro tercer álbum, y ya llegar a un tercero es una suerte, especialmente hoy en día. Es un paso importante, fuimos muy específicos en querer trabajar con un nuevo productor, grabar maquetas en distintos lugares antes de decidir dónde hacer el disco. Antes estábamos un poco “protegidos”: hicimos los primeros EP en un estudio y los primeros dos álbumes en otro, así que no conocíamos tanto el proceso. Ahora somos más seguros en el estudio. Ya no tenía esos miedos constantes de “¿qué estoy haciendo?”. Esta vez fue más relajado: disfruta la experiencia, hazlo lo mejor posible y saca lo mejor de ti. Es un escalón hacia el siguiente disco, porque ahora sentimos que podemos tomar más riesgos. Aunque llevaba 15 años siendo músico antes del primer álbum, no me di cuenta de lo inexperto que era en el estudio. He aprendido muchísimo sobre cómo funciona un estudio y cómo funcionan las grabaciones. Personas como Cate, que tienen ese “músculo de estudio” tan desarrollado, es una gran habilidad. Nosotros seguiremos mejorando con cada disco. Para este año, ¿tienen planes de ir a Latinoamérica? Por ahora el calendario incluye Europa, Reino Unido, Estados Unidos, luego una gira por Australia. Después algunos festivales en verano y luego hay un gran espacio en la agenda reservado para algún lugar. Esperamos que sea Latinoamérica. La última vez la pasamos increíble, aunque fue muy breve. Nos encantaría volver, pero tiene que ser financieramente viable. La vez pasada, el show con Interpol en Ciudad de México hizo posible que fuéramos a Santiago y Buenos Aires. Ojalá podamos repetirlo. El público en Latinoamérica es muy especial, muy apasionado.Nos encantaría volver. De verdad. Siempre estamos preguntando: “¿Cuándo vamos de nuevo?”. Ojalá sea este año.

Agustina Salinero | Sábado 28 de febrero 2026 Fotografía: @lukascruzat Síguenos en todas nuestras redes sociales como @allaccesscl El regreso de Alejandro Sanz a Santiago se vivió como un reencuentro emotivo y cercano en el Estadio Bicentenario de La Florida . Con su gira “¿Y AHORA QUÉ?” , el artista español ofreció un espectáculo que recorrió distintas etapas de su catálogo, combinando clásicos indiscutidos con material reciente y una narrativa escénica centrada en el amor, la memoria y la complicidad con el público chileno. La apertura con “Desde cuándo” marcó el tono de una velada que avanzó con fluidez entre momentos íntimos y pasajes de alta participación colectiva. “Capitán Tapón” amplió el clima emocional, mientras que el gesto de alzar la bandera chilena durante “Sin bandera” generó una de las imágenes más potentes de la noche, replicada por miles de asistentes que respondieron con banderas ondeando en todo el recinto. El tramo central consolidó la conexión con interpretaciones de “Bésame”, “A la primera persona” y “Mi soledad y yo”, donde el canto del público funcionó como un coro permanente. “Amiga mía” se alzó como uno de los puntos más celebrados, reafirmando la vigencia de un repertorio que ha acompañado a distintas generaciones. La solidez de la banda y el pulso interpretativo del español sostuvieron una atmósfera cálida y envolvente. En la recta final, “Cuando nadie me ve”, “El alma al aire”, “No es lo mismo”, “Aquello que me diste”, “¿Y si fuera ella?” y “Lo ves?” prepararon el cierre con “Corazón partío”, clásico que sintetiza el lugar de Sanz en la balada pop en español. Más que un simple repaso de éxitos, el concierto confirmó la continuidad de una obra que sigue encontrando eco en Chile, país donde el artista mantiene un vínculo sostenido y una convocatoria transversal.

Sábado 28 de febrero de 2026 | @allaccesscl Fotografías: @lukascruzat